Relación de estrenos 1995-2012:

—Audio Mosaico XX, creación radiofónica. Para electrónica solo.

• Duración: 32’05”
• Ganador XVIII Concurso de Creación Radiofónica de Radio Clásica. Información del premio
• Fecha de composición 8-2011
• Fecha de estreno 21-9-2011. Crítica Diario La Verdad
• Grabación: RNE.
• Difusión: Carlos Duque.
• XXVII Festival de música de Alicante. Casa Bardín, Alicante, España.

Notas al programa:

Audio Mosaico XX es una obra que ofrece un recorrido sonoro al siglo XX español, a través de los audios más significativos de la historia. En sucesión cronológica y sobre una base sonora electrónica, los archivos sonoros seleccionados generan un proceso narrativo que muestra la evolución social, política y artística del siglo. Algunos sonidos forman parte en nuestra memoria histórica como parte inherente de nuestra identidad.
La música es compañera inseparable de nuestro desarrollo humano, pero algunos audios, bien sean narraciones, sonidos ambiente, declaraciones o noticias, generan un vínculo directo con situaciones de nuestra vida, y con el mundo que nos rodea. La intención de este trabajo, es secuenciar esas sensaciones fruto de la identidad con el sonido, y hacer que la memoria sonora ayude a generar una empatía con el oyente.

—Ixión, para órgano.

Obra en tres partes: Di Lontano, Di Presenti, Di Tremulo.

• Duración: 12’50”
• Ganador Accesit Concurso Internacional de Composición Cristobal Halffter 2008. Link del Concurso
• Fecha de composición 8-2009
• Fecha de estreno 20-3-2010.
• Grabación: Carlos Duque.
• Intérprete: Susana García Lastra.
• Monasterio de San Miguel de las Dueñas, León, España.

Notas al programa:

Ixión, en la mitología griega era el rey de Tesalia y padre de los Centauros. Su historia es una de las más oscuras de la mitología, hasta el punto que Zeus le castiga a girar eternamente en una rueda de fuego, ya que al haber bebido la ambrosía había alcanzado la inmortalidad. En esta obra empleo un material serial que a medida que avanza la obra se descompone en hexacordos y más adelante en tetracordos, que funcionan como varios Pitch Class Set que permiten una gran combinatoria. El órgano es el instrumento idóneo para generar texturas densas que surgen por la combinación de tetracordos en ambas manos, apoyadas por un contrapunto (rítmico en ocasiones) en el pedal.

—Poémes en prose, para Orquesta.

Encargo de la Ciudad de Nimes — Foto del concierto — Prensa de NImes — Recorte de Prensa

• Duración: 13’37”
• Plantilla 1.1.1.1 – 1.2.1.1 – 2 perc. – 8.6.4.4.2
• Fecha de composición XI-2009/I.2010
• Fecha de estreno 3-3-2010.
• Grabación: Concervatorio de Nimes.
• Intérprete. Orquesta de la ciudad de Nimes. Director Lionel Duffau.
• Nimes Theatre, Nimes, France.

Notas al programa:

Inspirado por la colección de poemas homónima de Baudelaire, esta obra es un homenaje al poeta francés. Plasma en sonidos las impresiones que surgen a través de la lectura de los 50 poemas en prosa que son la puerta al simbolismo, y plantea las parábolas y la particularidad aleatoria de la obra poética. Según Baudelaire los poemas podían leerse en cualquier orden, de forma que crearían una nueva estructura. En este caso, la obra orquestal es una suma de unidades que pueden cambiar su orden inicial creando una nueva estructura.

—Syntagma, para ensemble.

Encargo del IX Festival Internacional de Música contemporánea de Tres Cantos — Grabación de RTVE — Recorte de prensa — Programa del Festival de Tres Cantos 2009 (web) — Programa del Festival de Tres Cantos 2009 (pdf)

• Duración: 12’40”
• Plantilla: Saxophone quartet – 2 perc – piano – 0.0.0.0
• Fecha de composición: VII-2009/IX-2009
• Fecha de estreno: 4-10-2009.
• Grabación: Fundación Sax-Ensemble.
• Intérprete: Sax-Ensemble. Director: José Luis Temes.
  • Francisco Martínez, saxofón soprano.
  • Francisco Herrero, saxofón alto.
  • Luis Miguel Castellanos, saxofón tenor.
  • José Manuel Zaragoza, saxofón bajo.
  • Alberto Román, percusión.
  • Miguel Ángel Pérez, percusión.
  • Kayoko Morimoto, piano
• Teatro Principal de Tres Cantos, Madrid.

Notas al programa:

Después de cinco años investigando la música y los escritos de Roberto Gerhard, he llegado a una aproximación muy precisa sobre la naturaleza de su técnica y de su proceso creativo. Todos estos conocimientos, muchos inéditos hasta ahora y que se escondían en manuscritos repartidos entre Europa y EEUU, suponen el mayor desarrollo de la técnica serial por un compositor europeo. Gerhard aprendió el serialismo directamente de la mano de su creador, Arnold Schoenberg, y realizó una personal y constante evolución de su técnica. En Syntagma plasmo todos estos conocimientos, y aplico la técnica desde mi propio prisma, creando un desarrollo personal que comencé a emplear en Antiphon, pieza estrenada por la London Sinfonietta en Mayo de 2009.

—Antiphon, para ensemble.

• Duración: 6’45”
• Plantilla: 0.0.2-1.0 – 0.0.0.0 – perc – harp – piano – 0.0.0.0
• Fecha de composición: XII-2009/III-2009
• Fecha de estreno: 15-5-2009.
• Grabación: City University.
• Intérprete: London sinfonietta. Director: Patrick Bailey.
  • Anthony Pay, clarinete
  • Andrew Webster, clarinete
  • Duncan Prescott, clarinete bajo
  • Manon Morris, harpa
  • David Hockings, percusión
  • John Constable, piano
• St James Piccadilly. Londres

Notas al programa:

In this work I have applied Roberto Gerhard’s serial technique at its most developed stage, where nearly everything in the score comes from the series, including length of the work itself, harmony, structure and rhythm. Consistent with Gerhard’s method, I employ quotations from my music and from that of other composers (in this case, two Gerhard quotations) and I integrate a folk-tune in the dodecaphonic row. This is a Catalan folk tune, ‘El cant dels ocells’ (Song of the Birds), which has the same intervallic shape as the series.

The row that I use is the one that Gerhard used in his 5th Symphony (unfinished). The name, ‘Antiphon’, was in fact the original name of Gerhard’s 4th Symphony, but early on it was changed.

After five years researching Gerhard’s music, I realised the creative possibilities of using his method and through this process I have expanded the technique experimenting with length and time-sets. This work is an homage (in memoriam) to Roberto Gerhard.

—Iduna, para acordeón.

Ganador del Concurso Internacional de Composición Francisco Escudero 2008. 

Web del concurso

• Duración: 6’08”
• Fecha de composición: VII-2008.
• Fecha de estreno: 24-3-2009.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Ksenija Sidorova
• City University. Londres.

Notas al programa:

Iduna, the Norse goddess of youth, fertility, and death, was the custodian of golden apples which allowed the Aesir gods to maintain their youthfulness, and the only god allowed to gather the apples, keeping them in a golden chest. Iduna was the wife of Bragi, god of poetry, and originally a member of the Vanir. She departed the fields and forests of Vanaheim to live with him in Asgard. This work was written in two parts using serial technique. The first is a Prelude and the second, a Dance, most of it in a typical Spanish rhythm called the ‘Petenera’ (6/8 + 3/4). The work itself was created through workshops at City University with Professor Owen Murray, the head of the accordion department at the RAM. This piece was awarded the First Prize in the International Composition Contest Francisco Escudero 2008.

—Oil on canvas, para flauta.

• Duración: 10’40” (Blue, 5’18”; Green, 3’38”)
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 24-2-2009.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Audrey Milheres.
• City University. Londres.

Notas al programa:

‘Oil on Canvas’ aims to recreate my emotional response both to painted colour (blue and green) and to the texture of paint on canvas, the latter becoming multiphonics, microtonal glissandi, and frullati.

This work does not relate to any specific painting, rather to imagined textures or blocks of colour viewed very closely. Groups of intervals, for instance, are used to create a melody of colours. The overall result is a virtuosic work which combines complex extended techniques with demanding rhythms to build multiple layers of shades within each colour.

—Three war pictures, para ensemble.

Encargo del grupo Scratch the Surface.

Plantilla: 0.0.1.0 – 0.0.0.0 – 1.1.0.1

• Duración total: 10’40”
  —Guernica, 4’15”
  —Le Drapeau Noire, 3’33”
  —El Segador, 2’52”)
• Fecha de composición: IV/VI-2008.
• Fecha de estreno; 21-6-2008.
• Grabación: University of Brighton.
• Intérprete: Scratch the Surface. Director: Carlos Duque.
  • Nicky Sweeney, violin.
  • Conall Gleeson, viola.
  • Andrew Mason, clarinete.
  • Becky Welsh, contrabajo.
• Museo de las Artes. Nimes, Francia.

Notas al programa:

This work is a response to the exhibition by artist Peter Seddon at the Musee de Beaux Arts, Nîmes, and is inspired by three pictures dealing with the civil war in my native Spain. This tragedy has provided a focal point for artists from all around the world, and is not only reflected in the production of their art but also, for some, precipitated the sacrifice of their lives. The Spanish village of Guernica was bombed by German forces in 1937. As a response to the attack René Magritte also creates his work, Le Drapeau Noire, depicting sinister flying machines. In the Spanish pavilion at the 1937 World Fair in Paris, the Spanish government commissioned murals by Picasso and Joan Miró. Picasso created Guernica and Miró, El Segador, a portrait of an anguished but defiant farmer. After the fair closed Miró ́s work was shipped to Valencia but disappeared and remains lost.

As Seddon uses pre-existing pictures of the English civil war and weaves them into coherent modern motives, I use images by Pablo Picasso, René Magritte and Joan Miró as my inspiration to create a triptic in sound. The original material resonates with the textures and flavours of Spanish folk song, incorporating a brief quotation from Officio Defunctorum (Mass for the Dead) by Tomás Luis de Victoria.

—Gaudi´s Finale, para ensemble.

• Duración: 8’14”
• Plantilla: 1.0.0.1 – 1.0.0.0 – harp – piano – 0.0.0.1
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 22-5-2008.
• Grabación: City University.
• Intérprete: London Sinfonietta. Conductor: Rebecca Miller
  • Frank Nolan, flauta.
  • John Orford, fagot.
  • Katie Pryce, trompa.
  • Helen Tunstall, harpa.
  • Enno Senft, contrabajo.
  • Clive Williamson, piano.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

This piece explores the last ten minutes of the life of the Spanish architect, Antonio Gaudi. He died on 7 June, 1926, in Barcelona, whilst making his daily journey from the Sagrada Familia, which he had designed and was constructing, to his local church, when he was run over by a tram. Gaudi was a lover of music, especially enjoying the choir of his church whose repertoire included Bach. This piece incorporates one Bach chorale, a quotation from Alban Berg and a Catalan folk tune, ‘Amelia’s Testament’, with which Gaudi would have been familiar.

As with Gaudi’s most famous design, the Sagrada Familia, this piece can be viewed as a solid whole whose closer inspection reveals microscopic details. These details have a secretive nature, only revealing themselves with concentrated listening. They can be likened to the doors of the Sagrada Familia, that appear to be a solid mass, but turn out to be engraved with a plethora of stories.

The title refers to the GPS of the location in Barcelona of Gaudi’s death.

—Thy flight´s flame, clarinete y piano.

• Duración: 6’40”
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 26-2-2008.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: George Georgiou and Stephen de Vere.
• The Warehouse. Londres.

Notas al programa:

This work is inspired by Sonnet 1 by William Shakespeare, and is a lyrical interpretation of the poem. The name is taken from the sixth verse (Feed’st thy light’s flame with self substancial fuel). I chose this poem because it is a powerful commentary on the world and human nature. To reflect this, the music has two very different moments, one very rhytmical, with the piano almost as a percussion instrument and other very melodic with the clarinet playing an expressive melody above a chromatic harmony.

—Cahier Nº7,para ensemble.

• Duración: 7’40”
• Plantilla: 0.0.1.0 – 0.1.1.0 – piano – 0.1.1.0
• Fecha de composición: I/IV-2007.
• Fecha de estreno: 3-5-2007.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: London Sinfonietta. Director: Richard Baker
  • Duncan Prescott, clarinete.
  • Torbjörn Hultmark, trompeta.
  • Amos Miller, trombón.
  • Rachel Roberts, viola.
  • Sally Pendlebury, cello.
  • Clive Williamson, piano.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

This piece is inspired by one of 16 notebooks and several individuals sketches that Pablo Picasso drew as preparatory work to ‘Les demoiselles d ́Avignon’ (MOMA, New York). It consists of 84 drawings, created between May and June, 1907, in Paris. The techniques used are Chinese ink, pencil, graphite and gouache red on white tracing paper. The seventh album features similar figures in different positions and with different textures. It is considered remarkable for the dynamism of the sketches, the rapidity of the strokes, the black formalism and the movement of the body. In this piece, my goal is to take inspiration from this notebook, and use it to convey different textures (sometimes on similar motifs), to create different densities of instrumentation and dynamic shifts in tempo.

—Concert Etudes, para oboe solo.

• Duración: 7’40”
• Fecha de composición: XI/XII-2006
• Fecha de estreno: 20-2-2007.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Kostis Hassiotis.
• City University. Londres.

Notas al programa:

Concert etudes is a series of three studies for oboe solo whose sonorities range from the lyrical to the soft and dream-like to the loud and powerful. Every etude targets in a specific musical or technical characteristic of the instrument. The first one is an exploration of microtones and legato melodies. The second etude is an experiment in the use of multiphonics (fingerings that produce more than one sound, in this case, 7 sounds) and rhythm. The third etude is a virtuosic review of double harmonics (fingerings that produce two sounds, in a very soft atmosphere always in the boundary of pianissimo) and dynamics.

These etudes create very different atmospheres, and are technically challenging for the player. These go from the lyrical moment of the melodic etude 1, to the soft and dream-like passage in the third etude, passing through the powerful sonorities of the third etude. The etudes are dedicated to Kostis Hassiotis who was influential in their creation.

—Omaggio à Berio, para piano solo.

• Duración: 7’00”
• Fecha de composición: IV/VI-2004
• Fecha de estreno: 20-2-2007.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Stephen de Vere White.
• City University. Londres.

Notas al programa:

This work for piano solo was written in memory of the Italian composer and is influenced by his series of pieces, the Sequenzas. It has no melodic process, instead, there are rhythmic segments follow each other, creating an illusion of a melodic structure. The work presents a continual flux in dynamic range and pitch, where dissonant arpeggios that appears opposite to the rhytmicall segments. The player is given the freedom to decide on the tempo of the different expressive parts of the piece.

—Iris, para ensemble.

• Duración: 6’40”
• Plantilla. 0.0.1.0  –  0.1.0.0 – perc. (Marimba, Glockenspiel, Snare drum, 3 Temple-Blocks) – 1.0.1.1
• Fecha de composición: I/III-2006.
• Fecha de estreno: 4-5-2006.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: London Sinfonietta. Director: Martyn Brabbins.
  • Andrew Webster, clarinete.
  • Mike Thompson, trompa.
  • Jonathan Morton, violín.
  • Lionel Handy, cello.
  • Enno Senft, contrabajo.
  • David Hockings, percusión.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

Iris is a very experimental work, where I do a deconstruction and a reconstruction of the music. The movement of the materials plays from a very dense texture to the silence, and then the sound appears with the same materials, from the silence to the dense texture. In order to get this density I use textures in the wind and percussion and a counterpoint in the strings, that creates this deep sensation. There is a short melody in this work that sound like a leit motiv. Iris is an ancient greek god. She is the messenger of Zeus and goddess of the Rainbow.

—Akelarre, for orchestra.

• Duración: 9’20”
• Plantilla: 3.2.3.2 – 4.3.3.1 – timp. 2 perc – 14.12.10.8.6
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 24-3-2006.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: CUSO (City University Symphonic Orchestra). Director: Anthony Weeden.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

In Spanish, ‘Akelarre’ is a witches’ meeting. Such meetings took place in the north of Spain in around the 15th century. Several legends mention these meetings, the witches being described as indulging in ‘white’, not ‘black’, magic. The legends don’t clarify what happens in these meetings, but we know from historical documents that these meetings were secretive affairs, as many witches were persecuted and some were burned at the stake.

In this score I try to describe the atmosphere of one akelarre (of white magic), using a series of differing textures always placed above one that is created from a sweeping, canonic line of semiquavers. This evokes a sense of ritual, with movement and tension: sometimes the participants in the akelarre stand around and talk, sometimes they dance in a ring around the fire, and sometimes they indulge in magic.

—Gradus ad Parnassum, for cello and accordion.

• Duración: 7’53”
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 31-5-2005.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Beate Altenburg (cello) and Milos Milivojevic (acordeón).
• City University. Londres.

Notas al programa:

Johann Joseph Fux’s Gradus ad Parnassum was published in 1725 as an early composition manual, divided in two major parts, Musica Speculativa and Musica Pratica, starting with simple examples and culminating in the most difficult technical issues of counterpoint. Similarly to this book, the duo starts with simple lines and gradually develops more complex textures and rhythmic patterns. The resonating timbre of the accordion and the expressive, nearly vocal, sound of the cello offer considerable potential for the creation of rich harmonic textures within a lyrical atmosphere. Written in a non-tonal language, the chords created from four intervals generate a space articulated by the accordion, which is the perfect base for the fast gestures of the cello.

—Alfa, para ensemble.

• Duración: 4’10”
• Plantilla: 1.1.0.0 – 0.0.0.0 – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 18-10-2004.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Ixion ensemble. Director: Andrew Toovey
  • Rowland Sutherland, flauta.
  • Andrew Smith, clarinete.
  • Kirsten Le Strange, violin.
  • Daniel Palmizio, viola.
  • Patrick Jones, cello.
  • Jub Davis, contrabajo.
  • Anthony Gray, piano.
• City University. Londres.

Notas al programa:

‘Alpha’, both as a symbol and term, is used to refer to or describe a variety of things, including the first or most significant occurrence of something. The first letter of the Greek alphabet is, as well, the first piece for my PhD portfolio, and a key work to understand what I expect to be an evolution in my compositional technique.

The Oxion ensemble asked me for a ‘short piece’ (about four minutes in length), and I chose the viola as the main instrument. However, the line up of this ensemble permits a full contrast between strings and winds, something that I use to create tension between melody and accompaniment, as heard during the fortissimo ostinati parts.

There is some influence from Roberto Gerhard (the composer I am researching) throughout the music. It affects textures and ostinati, while some characteristic gestures of the composer also appear. However the music is always presented from my personal point of view, its colouristic harmonies being responsible for its intense flavour.

—Musurgia Universalis, para cello y piano.

• Duración: 9’45”
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 24-5-2004.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Beate Altenburg, cello y Annike Palm-Doumenge, piano.
• City University. Londres.

Notas al programa:

This score is inspired by the Musurgia Universalis of Athanasius Kircher (1601-1680), one of the most influential of all music treatises, which supports the view that the cosmos is revealed in musical ratios. A erudite man of incredibly wide-ranging interests, Kircher wrote more than 40 bookswhile he lived and worked in Rome. He was one of the central figures of Baroque scientific culture, and probably the greatest expert on ancient and universal languagess, archaeology, astronomy, magnetismo, and Chinese and Egyptian culture in Europe at that time.

—Suite Vollard, para ensemble.

• Duración: 9’26”
• Plantilla: 1.0.0.0 – 0.0.0.0 – perc- 1.0.0.1
• Fecha de composición: II/III-2004.
• Fecha de estreno: 5-5-2004.
• Grabación: City University
• Intérpretes: London Chamber Group. Director: Carlos Duque.
  • Anne-Marie Kotowick, flauta
  • Peiman Khosravi, violín.
  • Amy Shakespeare, contrabajo.
  • Billie Strachan, percusión
• City University. Londres.

Notas al programa:

Suite Vollard is inspired by a series of engravings, the Vollar Collection, created by Pablo Picasso between 1930 and 1936. In it, he depicts an enchanted World where the minotaur is the protagonist; this conceptual space of dreams and visions is sometimes serene, sometimes a nightmare.

—Primer libro de poética, para bajo y piano.

Texto: San Juan de la Cruz.

• Duración: 6’00”
• Fecha de composición: II/III-2004.
• Fecha de estreno: 5-5-2004.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Javier Borda (bajo) y Catherine Milledge (piano).
• City University. Londres.

Notas al programa:

Sin notas al programa, solo texto del poema y traducción al inglés por el autor.

—Avalón

• Duración: 6’00”
• Plantilla: 1.0.1.0 – 0.0.0.0 – perc – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición: III-2002.
• Fecha de estreno: 16-5-2002.
• Grabación: Sin grabación.
• Intérpretes: L´Ensemble Télémaque. Director: Raoul Lay.
  • Charlote Campana, flauta.
  • Linda Amrani, clarinete
  • Christian Bini, percusión
  • Nathalie Negro, piano
  • Yann Le Roux, violín
  • Benjamin Clasen, viola
  • Guillaume Rabier, cello
  • Jean Bernard Rière, Contrabajo
• Auditorio del Instituto Francés, Madrid.

Notas al programa:

Sin notas al programa, solo información del grupo, director y programa de Call for score del CDMC

—Treno, para saxofón barítono y electrónica.

Encargo de Andrés Gomis.

• Duración: 9’48”
• Fecha de composición: I/II-2000.
• Fecha de estreno: 25-6-2001.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• Intérpretes: Andrés Gomis, saxofón barítono y Carlos Duque, electrónica-difusión.
• VIII Jornadas de Informática y Electrónica Musical. Auditorio Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Notas al programa:

Obra para saxofón barítono y electrónica, grabada durante febrero y Marzo del 2000. Esta obra surge como un encargo del saxofonista Andrés Gomis. La parte de electrónica está basada en el desarrollo de la polifonía que consiguen los multifónicos, tamizada por procesos de síntesis donde solo la voz humana surge como sonido real. Está dedicada a las víctimas eternas, a los más débiles, a los indefensos de cualquier guerra, de cualquier época, de cualquier lugar. Niños, mujeres, ancianos que siguen una y otra vez pidiendo con voz callada. Andrés Gomis, Alicante, 1962. Estudia, profundiza y experimenta, para conseguir una nueva música, otros pensamientos.

—Crucifixión, para electrónica solo.

• Duración: 8’31”
• Fecha de composición: IV/V-1999.
• Fecha de estreno: 6-11-1999.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• Festival de Música Contemporánea COMA 99. Madrid.

Notas al programa:

Como resultado de la investigación entre música e imagen, y siguiendo la técnica de obras electroacústicas anteriores, alguna concebida directamente sobre la imagen (Estrobo). Homenaje a Antonio Saura, es un reflejo de la pintura saurista plasmada en sonido, matizando la densidad plástica y la riqueza cromática, dentro de una intencionada economía de materiales. Crucifixión, un cuadro de 1059, dotado de una impresionante fuerza expresiva, sirve de leit motiv a esta obra, que pasa por medio de un delicado trabajo de síntesis sonora, entre los claroscuros del lienzo

—Dánae, para ensemble.

Ganador Concurso Internacional de Composición Frederic Mompou 1999.

• Duración: 7’10”
• Plantilla: 1.0.0.0 – 0.0.0.0 – perc – piano – 1.1.1.0
• Fecha de composición: I-1999.
• Fecha de estreno: 15-9-99.
• Grabación: Radio Barcelona.
• Intérpretes: Crupo Virtus.
  • José Sotorres, flauta.
  • Joan Morera, violín.
  • Joan Ignasi Ferrer, viola.
  • Ester Vila, cello.
  • Ferran Amrmengol, percusión.
  • Carmen M. Osorio, piano.
• Sala María Vila d´Abadal. Mercat de la música viva, Xarxa de Clàssica i Jazz a Catalunya, Vic, Barcelona.

Notas al programa:

Solo CV y foto del autor, no hubo notas al programa.

—Un canto, para mezzo-soprano y guitarra.

Texto: Sobre poema homónimo de José Ángel Valente.

Encargo Dúo Música Desiderata.

• Duración:
• Fecha de composición: II-1999.
• Fecha de estreno: 9-6-99.
• Grabación: RNE
• Intérpretes: Elena Montaña, mezzo-soprano y Avelina Vidal, guitarra
• Círculo de Bellas Artes. Madrid.

Notas al programa:

Sin notas al programa.

—Cronos, para ensemble.

Ganador Concurso Jóvenes Compositores SGAE 1998.

• Duración: 6’43”
• Plantilla: 1.0.0.0 – 0.0.0.0 – sax – perc – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición: IX-1998.
• Fecha de estreno: 18-12-98.
• Grabación: CD Música contemporánea. XII Premio SGAE. Sello Iberautor, ref. 752.
• Intérpretes: Grupo Finale. Director: Vicent Egea.
  • José Sotorres, flauta.
  • Vicente Toldos, saxofón contralto.
  • Menchu Mendizábal, piano
  • Pascual Osa, percusión.
  • Víctor Ambroa, violín.
  • Julia Jiménez, viola.
  • Jorge Pozas, cello.
  • Antonio García, contrabajo.
• Auditorio Nacional de Música. Madrid.

Notas al programa:

Sin notas al programa por tratarse de un concurso.

—Canción para franquear la sombra, para soprano y piano.

Texto: Sobre poema de José Ángel Valente.

• Duración: 1’05”
• Fecha de composición: VIII-1998.
• Fecha de estreno: 4-10-1998.
• Grabación: RNE.
• Intérpretes: Pilar Jurado, soprano y Sebastián Mariné, piano.
• Círculo de Bellas Artes. Madrid. Presentación de la AMCC (Asociación madrileña de compositores).

Notas al programa:

Sin notas al programa

—Estrobo, electrónica y video.

• Duración: 10’05”
• Video: José Barrio.
• Fecha de composición: XI/XII-1997.
• Fecha de estreno: 29-6-1998.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• V Jornadas de Informática y Electrónica Musical. Auditorio Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Notas al programa:

Estrobo es una obra electroacústica compuesta y sincronizada sobre un vídeo del realizador José Barrio. El vídeo presenta una estructura ABA’B’ con coda. La música emplea el referente de la imagen como base no solo estructural, sino conceptual en el desarrollo de densidades y unidades cromáticas. La grabación y mezcla se realizaron en el laboratorio del CDMC en febrero de 1998. Cada plano tiene un tratamiento estético que refleja la realidad de la imagen. En el vídeo hay tres aspectos distintos: El cuerpo, la globalidad y la parte. La búsqueda sonora consiste en captar estos tres planos, lo que produce una profunda integración entre música e imagen. José Barrio es uno de los directores y realizadores más premiados en España. Realizó sus estudios en cine en la Universidad de Houston.

— Salónica, para electrónica solo.

• Duración: 6’46”
• Fecha de composición: III-1997
• Fecha de estreno: 26-09-1997
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• XIII Festival internacional de Alicante. Auditorio CAM. Alicante.

Notas al programa:

Salónica es un trabajo de índole progamática, en el que se reflejan sucesivas texturas sonoras, espaciales y tímbricas, producto de una espiral de imágenes mentales que se generan a partir de la evocación de imágenes previamente visualizadas. La obra está concebida como una evolución de la técnica desarrollada en Área, que se estrenó el 1 de Julio de 1996 en el Centro de Arte Reina Sofía. Ambas obras parten de un trabajo previo de síntesis al servicio de una representación espacial de la textura sonora. Plasmar la complejidad de una imagen en un referente sonoro es un proceso en el cual se solapan desde los fractales hasta la imitación del color, desde el cromatismo de las sombras hasta estructuras aurales, lo cual necesita de un intenso juego de densidades para conseguir la precisión en el matiz. Por tanto, dada la enorme definición que necesita esta técnica, la electrónica sola es el medio idóneo para recrear el mundo visual, en un nuevo espacio sonoro.

— Liuba. Para electrónica solo.

• Duración: 6’19”
• Fecha de composición: III-1996
• Fecha de estreno: IX-2005.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• XXI Festival de Alicante.

Notas al programa:

Siguiendo la técnica de Área, Liuba presenta el mismo desarrollo técnico. En realidad es un técnica que se irá haciendo más precisa a medida que se suceden las obras. Se trata de plasmar en sonido de la forma más precisa posible, las imágenes sobre las que se basa la obra, pero sin que la imagen sea necesaria para la audición. En Liuba el sonido de un reloj se transforma hasta dar con la textura que ofrece la imagen.

—Área. Para electrónica solo.

• Duración: 6’12”
• Fecha de composición: XII-1995
• Fecha de estreno: 1-7-1996
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• Jornadas de Informática y Electrónica Musical. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Notas al programa:

Esta es una obra donde el proceso narrativo se convierte en el protagonista, ya que presenta una sucesión de acontecimientos sonoros que han sido trabajados previamente por medio de síntesis, tanto en sampler como en sintetizador. A través de la narración que está planteada bajo una forma aural, se plasman distintos juegos texturales en relación directa con las densidades sonoras, que aportan cohesión a las distintas relaciones del discurso. Estas densidades, facilitan la obtención de planos sonoros de distinta profundidad, que permiten dibujar una serie de claro-oscuros en la obra, sin perder la seguridad estructural del sistema aural.

— Imágenes

• Duración: 7’15”
• Plantilla: 1.1.1.0 – 1.0.1.0 – perc – piano – 2.1.1.1
• Fecha de composición: I/IV-1996.
• Fecha de estreno: 9-6-96.
• Grabación: Sin grabación.
• Intérpretes: Grupo instrumental con profesores de la ONE. Director: Arturo Tamayo
  • Antonio Arias, flauta.
  • Rafael Tamarit, oboe.
  • Enrique Pérez Piquer, clarinete.
  • Juan Carlos Alandete, trompeta.
  • Enrique Ferrando, trombón.
  • Félix Castro Vázquez, percusión.
  • Gerardo López Laguna, piano.
  • Salvador Puig, violín.
  • José Enguidanos, violín.
  • Emilio Navidad, viola.
  • José María Mañero, cello
  • Miguel Ángel González Corredera, contrabajo.
• Auditorio Nacional de Música. Madrid.

Notas al programa:

El universo de una persona no deja de ser una sucesión de imágenes que ha ido adquiriendo a lo largo de su vida. Imágenes que van desde las primeras sensaciones táctiles, hasta las más profundas impresiones visuales. Cualquier persona dispone de una colección de imágenes, que forman parte de su memoria y sin las cuales perdería una parte fundamental de su identidad. Si pudiéramos plasmar de alguna manera todas esas imágenes, tendríamos una sucesión de impresiones que actuarían como una radiografía perfecta de cada persona, de forma que determinando la velocidad con las que has ha emitido, estudiando aquellas en que se ha detenido más, analizando las que dejó de lado, y las que aparecían deliberadamente distorsionadas, tenemos lo que puede ser la sinopsis de una vida. Un sutil ejercicio antropológico que, si plasmamos sobre un pentagrama, dará pulso propio al resultado sonoro que creemos.

Imágenes supone buscar allá donde se encuentra el recuerdo, son apenas unos minutos de intensa concentración, unas micras de coherencia, con la absoluta seguridad de haber buscado más allá.

— Noche, hoguera, silencio, para ensemble

• Duración: 7’30”
• Plantilla: 1.1.1.1 – 0.0.0.0 – perc – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición: I/IV-1995.
• Fecha de estreno: 21-5-95.
• Grabación: Sin grabación.
• Intérpretes: Grupo Círculo. Director: Arturo Tamayo
  • Salvador Espasa, flauta.
  • Carmen Guillem, oboe.
  • Salvador Vidal, clarinete.
  • Dominique Deguines, fagot.
  • Pedro Estevan, percusión.
  • Adela González Campa, piano.
  • Rubén Fernández, violín.
  • María Teresa Gómez, viola.
  • Ángel González Quiñones, cello.
  • Fernando Anguita, contrabajo.
• Círculo de Bellas Artes. Madrid.

Notas al programa:

Buscar el sonido de la materia que nos rodea puede ser fácil, pero no nos engañemos… casi nadie se ha parado a escuchar la noche o las llamas que parten de la hoguera, ni tan siquiera el sonido del silencio. Escuchar lo que tenemos a nuestro lado es algo tan banal, que por cotidiano se pierde en mil pedazos para no poderlo disfrutar jamás. Después de todo, el silencio no existe. Hacerlo supone un instante de concentración, una micra de paciencia que normalmente nuestro ritmo no es generoso de dar. Si los conseguimos, turbados las más de las veces, trataremos nerviosos de volver a nuestro estado normal, a la prisa, a lo tosco de lo cotidiano. No es fácil dar un paso más. Tratar de buscar más allá de los límites produce miedo a no encontrar nada y miedo a no poder volver. Demasiado para un hombre solo. Noche, hoguera, silencio, supone buscar más allá, son apenas unos minutos de concentración, un átomo de coherencia, con la absoluta seguridad de haber buscado más allá. Quizás para no volver…

— A Federico García Lorca, poeta de Granada, para coro mixto.

• Duración: 7’30”
• Texto: Poema homónimo de Rafael Alberti.
• Fecha de composición: XI-1994
• Fecha de estreno: 24-2-95
• Grabación: Sin grabación.
• Intérprete: Coral Juan del Encina. Director Iñigo Guibert.
• Sala Pradillo. Madrid. Serie Creamúsica.

Notas al programa:

Sin notas al programa.

World premieres 1995-2012:

—Audio Mosaico XX, radiophonic work. Electronic music.

• Duration: 32’05”
• Winner of XVIII Contest of Radiophonic Creationship Radio Clásica. Contest Information.
• Composition Date 8-2011
• World premiere 21-9-2011.
• Recording: RNE.
• Sound Engineer: Carlos Duque.
• XXVII Festival de música de Alicante. Casa Bardín, Alicante, Spain. Critic La Verdad

Programme notes:

Audio Mosaico XX es una obra que ofrece un recorrido sonoro al siglo XX español, a través de los audios más significativos de la historia. En sucesión cronológica y sobre una base sonora electrónica, los archivos sonoros seleccionados generan un proceso narrativo que muestra la evolución social, política y artística del siglo. Algunos sonidos forman parte en nuestra memoria histórica como parte inherente de nuestra identidad.

La música es compañera inseparable de nuestro desarrollo humano, pero algunos audios, bien sean narraciones, sonidos ambiente, declaraciones o noticias, generan un vínculo directo con situaciones de nuestra vida, y con el mundo que nos rodea. La intención de este trabajo, es secuenciar esas sensaciones fruto de la identidad con el sonido, y hacer que la memoria sonora ayude a generar una empatía con el oyente.

—Ixión, para órgano.

Obra en tres partes: Di Lontano, Di Presenti, Di Tremulo.

• Duración: 12’50”
• Ganador Accesit Concurso Internacional de Composición Cristobal Halffter 2008.
• Fecha de composición 8-2009
• Fecha de estreno 20-3-2010.
• Grabación: Carlos Duque.
• Intérprete: Susana García Lastra.
• Monasterio de San Miguel de las Dueñas, León, España.

Notas al programa:

Ixión, en la mitología griega era el rey de Tesalia y padre de los Centauros. Su historia es una de las más oscuras de la mitología, hasta el punto que Zeus le castiga a girar eternamente en una rueda de fuego, ya que al haber bebido la ambrosía había alcanzado la inmortalidad. En esta obra empleo un material serial que a medida que avanza la obra se descompone en hexacordos y más adelante en tetracordos, que funcionan como varios Pitch Class Set que permiten una gran combinatoria. El órgano es el instrumento idóneo para generar texturas densas que surgen por la combinación de tetracordos en ambas manos, apoyadas por un contrapunto (rítmico en ocasiones) en el pedal.

—Poémes en prose, para Orquesta.

Encargo de la Ciudad de Nimes.

• Duración: 13’37”
• Plantilla 1.1.1.1 – 1.2.1.1 – 2 perc. – 8.6.4.4.2
• Fecha de composición XI-2009/I.2010
• Fecha de estreno 3-3-2010.
• Grabación: Concervatorio de Nimes.
• Intérprete. Orquesta de la ciudad de Nimes. Director Lionel Duffau.
• Nimes Theatre, Nimes, France.

Notas al programa:

Inspirado por la colección de poemas homónima de Baudelaire, esta obra es un homenaje al poeta francés. Plasma en sonidos las impresiones que surgen a través de la lectura de los 50 poemas en prosa que son la puerta al simbolismo, y plantea las parábolas y la particularidad aleatoria de la obra poética. Según Baudelaire los poemas podían leerse en cualquier orden, de forma que crearían una nueva estructura. En este caso, la obra orquestal es una suma de unidades que pueden cambiar su orden inicial creando una nueva estructura.

—Syntagma, para ensemble.

Encargo del IX Festival Internacional de Música contemporánea de Tres Cantos-

• Duración: 12’40”
• Plantilla: Saxophone quartet – 2 perc – piano – 0.0.0.0
• Fecha de composición: VII-2009/IX-2009
• Fecha de estreno: 4-10-2009.
• Grabación: Fundación Sax-Ensemble.
• Intérprete: Sax-Ensemble. Director: José Luis Temes.
  • Francisco Martínez, saxofón soprano.
  • Francisco Herrero, saxofón alto.
  • Luis Miguel Castellanos, saxofón tenor.
  • José Manuel Zaragoza, saxofón bajo.
  • Alberto Román, percusión.
  • Miguel Ángel Pérez, percusión.
  • Kayoko Morimoto, piano
• Teatro Principal de Tres Cantos, Madrid.

Notas al programa:

Después de cinco años investigando la música y los escritos de Roberto Gerhard, he llegado a una aproximación muy precisa sobre la naturaleza de su técnica y de su proceso creativo. Todos estos conocimientos, muchos inéditos hasta ahora y que se escondían en manuscritos repartidos entre Europa y EEUU, suponen el mayor desarrollo de la técnica serial por un compositor europeo. Gerhard aprendió el serialismo directamente de la mano de su creador, Arnold Schoenberg, y realizó una personal y constante evolución de su técnica. En Syntagma plasmo todos estos conocimientos, y aplico la técnica desde mi propio prisma, creando un desarrollo personal que comencé a emplear en Antiphon, pieza estrenada por la London Sinfonietta en Mayo de 2009.

—Antiphon, para ensemble.

• Duración: 6’45”
• Plantilla: 0.0.2-1.0 – 0.0.0.0 – perc – harp – piano – 0.0.0.0
• Fecha de composición: XII-2009/III-2009
• Fecha de estreno: 15-5-2009.
• Grabación: City University.
• Intérprete: London sinfonietta. Director: Patrick Bailey.
  • Anthony Pay, clarinete
  • Andrew Webster, clarinete
  • Duncan Prescott, clarinete bajo
  • Manon Morris, harpa
  • David Hockings, percusión
  • John Constable, piano
• St James Piccadilly. Londres

Notas al programa:

In this work I have applied Roberto Gerhard’s serial technique at its most developed stage, where nearly everything in the score comes from the series, including length of the work itself, harmony, structure and rhythm. Consistent with Gerhard’s method, I employ quotations from my music and from that of other composers (in this case, two Gerhard quotations) and I integrate a folk-tune in the dodecaphonic row. This is a Catalan folk tune, ‘El cant dels ocells’ (Song of the Birds), which has the same intervallic shape as the series.

The row that I use is the one that Gerhard used in his 5th Symphony (unfinished). The name, ‘Antiphon’, was in fact the original name of Gerhard’s 4th Symphony, but early on it was changed.

After five years researching Gerhard’s music, I realised the creative possibilities of using his method and through this process I have expanded the technique experimenting with length and time-sets. This work is an homage (in memoriam) to Roberto Gerhard.

—Iduna, para acordeón.

Ganador del Concurso Internacional de Composición Francisco Escudero 2008.

• Duración: 6’08”
• Fecha de composición: VII-2008.
• Fecha de estreno: 24-3-2009.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Ksenija Sidorova
• City University. Londres.

Notas al programa:

Iduna, the Norse goddess of youth, fertility, and death, was the custodian of golden apples which allowed the Aesir gods to maintain their youthfulness, and the only god allowed to gather the apples, keeping them in a golden chest. Iduna was the wife of Bragi, god of poetry, and originally a member of the Vanir. She departed the fields and forests of Vanaheim to live with him in Asgard. This work was written in two parts using serial technique. The first is a Prelude and the second, a Dance, most of it in a typical Spanish rhythm called the ‘Petenera’ (6/8 + 3/4). The work itself was created through workshops at City University with Professor Owen Murray, the head of the accordion department at the RAM. This piece was awarded the First Prize in the International Composition Contest Francisco Escudero 2008.

—Oil on canvas, para flauta.

• Duración: 10’40” (Blue, 5’18”; Green, 3’38”)
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 24-2-2009.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Audrey Milheres.
• City University. Londres.

Notas al programa:

‘Oil on Canvas’ aims to recreate my emotional response both to painted colour (blue and green) and to the texture of paint on canvas, the latter becoming multiphonics, microtonal glissandi, and frullati.

This work does not relate to any specific painting, rather to imagined textures or blocks of colour viewed very closely. Groups of intervals, for instance, are used to create a melody of colours. The overall result is a virtuosic work which combines complex extended techniques with demanding rhythms to build multiple layers of shades within each colour.

—Three war pictures, para ensemble.

Encargo del grupo Scratch the Surface.

Plantilla: 0.0.1.0 – 0.0.0.0 – 1.1.0.1

• Duración total: 10’40”—Guernica, 4’15”—Le Drapeau Noire, 3’33”—El Segador, 2’52”)
• Fecha de composición: IV/VI-2008.
• Fecha de estreno; 21-6-2008.
• Grabación: University of Brighton.
• Intérprete: Scratch the Surface. Director: Carlos Duque.
  • Nicky Sweeney, violin.
  • Conall Gleeson, viola.
  • Andrew Mason, clarinete.
  • Becky Welsh, contrabajo.
• Museo de las Artes. Nimes, Francia.

Notas al programa:

This work is a response to the exhibition by artist Peter Seddon at the Musee de Beaux Arts, Nîmes, and is inspired by three pictures dealing with the civil war in my native Spain. This tragedy has provided a focal point for artists from all around the world, and is not only reflected in the production of their art but also, for some, precipitated the sacrifice of their lives. The Spanish village of Guernica was bombed by German forces in 1937. As a response to the attack René Magritte also creates his work, Le Drapeau Noire, depicting sinister flying machines. In the Spanish pavilion at the 1937 World Fair in Paris, the Spanish government commissioned murals by Picasso and Joan Miró. Picasso created Guernica and Miró, El Segador, a portrait of an anguished but defiant farmer. After the fair closed Miró ́s work was shipped to Valencia but disappeared and remains lost.

As Seddon uses pre-existing pictures of the English civil war and weaves them into coherent modern motives, I use images by Pablo Picasso, René Magritte and Joan Miró as my inspiration to create a triptic in sound. The original material resonates with the textures and flavours of Spanish folk song, incorporating a brief quotation from Officio Defunctorum (Mass for the Dead) by Tomás Luis de Victoria.

—Gaudi´s Finale, para ensemble.

• Duración: 8’14”
• Plantilla: 1.0.0.1 – 1.0.0.0 – harp – piano – 0.0.0.1
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 22-5-2008.
• Grabación: City University.
• Intérprete: London Sinfonietta. Conductor: Rebecca Miller
  • Frank Nolan, flauta.
  • John Orford, fagot.
  • Katie Pryce, trompa.
  • Helen Tunstall, harpa.
  • Enno Senft, contrabajo.
  • Clive Williamson, piano.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

This piece explores the last ten minutes of the life of the Spanish architect, Antonio Gaudi. He died on 7 June, 1926, in Barcelona, whilst making his daily journey from the Sagrada Familia, which he had designed and was constructing, to his local church, when he was run over by a tram. Gaudi was a lover of music, especially enjoying the choir of his church whose repertoire included Bach. This piece incorporates one Bach chorale, a quotation from Alban Berg and a Catalan folk tune, ‘Amelia’s Testament’, with which Gaudi would have been familiar.

As with Gaudi’s most famous design, the Sagrada Familia, this piece can be viewed as a solid whole whose closer inspection reveals microscopic details. These details have a secretive nature, only revealing themselves with concentrated listening. They can be likened to the doors of the Sagrada Familia, that appear to be a solid mass, but turn out to be engraved with a plethora of stories.

The title refers to the GPS of the location in Barcelona of Gaudi’s death.

—Thy flight´s flame, clarinete y piano.

• Duración: 6’40”
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 26-2-2008.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: George Georgiou and Stephen de Vere.
• The Warehouse. Londres.

Notas al programa:

This work is inspired by Sonnet 1 by William Shakespeare, and is a lyrical interpretation of the poem. The name is taken from the sixth verse (Feed’st thy light’s flame with self substancial fuel). I chose this poem because it is a powerful commentary on the world and human nature. To reflect this, the music has two very different moments, one very rhytmical, with the piano almost as a percussion instrument and other very melodic with the clarinet playing an expressive melody above a chromatic harmony.

—Cahier Nº7,para ensemble.

• Duración: 7’40”
• Plantilla: 0.0.1.0 – 0.1.1.0 – piano – 0.1.1.0
• Fecha de composición: I/IV-2007.
• Fecha de estreno: 3-5-2007.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: London Sinfonietta. Director: Richard Baker
  • Duncan Prescott, clarinete.
  • Torbjörn Hultmark, trompeta.
  • Amos Miller, trombón.
  • Rachel Roberts, viola.
  • Sally Pendlebury, cello.
  • Clive Williamson, piano.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

This piece is inspired by one of 16 notebooks and several individuals sketches that Pablo Picasso drew as preparatory work to ‘Les demoiselles d ́Avignon’ (MOMA, New York). It consists of 84 drawings, created between May and June, 1907, in Paris. The techniques used are Chinese ink, pencil, graphite and gouache red on white tracing paper. The seventh album features similar figures in different positions and with different textures. It is considered remarkable for the dynamism of the sketches, the rapidity of the strokes, the black formalism and the movement of the body. In this piece, my goal is to take inspiration from this notebook, and use it to convey different textures (sometimes on similar motifs), to create different densities of instrumentation and dynamic shifts in tempo.

—Concert Etudes, para oboe solo.

• Duración: 7’40”
• Fecha de composición: XI/XII-2006
• Fecha de estreno: 20-2-2007.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Kostis Hassiotis.
• City University. Londres.

Notas al programa:

Concert etudes is a series of three studies for oboe solo whose sonorities range from the lyrical to the soft and dream-like to the loud and powerful. Every etude targets in a specific musical or technical characteristic of the instrument. The first one is an exploration of microtones and legato melodies. The second etude is an experiment in the use of multiphonics (fingerings that produce more than one sound, in this case, 7 sounds) and rhythm. The third etude is a virtuosic review of double harmonics (fingerings that produce two sounds, in a very soft atmosphere always in the boundary of pianissimo) and dynamics.

These etudes create very different atmospheres, and are technically challenging for the player. These go from the lyrical moment of the melodic etude 1, to the soft and dream-like passage in the third etude, passing through the powerful sonorities of the third etude. The etudes are dedicated to Kostis Hassiotis who was influential in their creation.

—Omaggio à Berio, para piano solo.

• Duración: 7’00”
• Fecha de composición: IV/VI-2004
• Fecha de estreno: 20-2-2007.
• Grabación: City University.
• Intérprete: Stephen de Vere White.
• City University. Londres.

Notas al programa:

This work for piano solo was written in memory of the Italian composer and is influenced by his series of pieces, the Sequenzas. It has no melodic process, instead, there are rhythmic segments follow each other, creating an illusion of a melodic structure. The work presents a continual flux in dynamic range and pitch, where dissonant arpeggios that appears opposite to the rhytmicall segments. The player is given the freedom to decide on the tempo of the different expressive parts of the piece.

—Iris, para ensemble.

• Duración: 6’40”
• Plantilla. 0.0.1.0  –  0.1.0.0 – perc. (Marimba, Glockenspiel, Snare drum, 3 Temple-Blocks) – 1.0.1.1
• Fecha de composición: I/III-2006.
• Fecha de estreno: 4-5-2006.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: London Sinfonietta. Director: Martyn Brabbins.
  • Andrew Webster, clarinete.
  • Mike Thompson, trompa.
  • Jonathan Morton, violín.
  • Lionel Handy, cello.
  • Enno Senft, contrabajo.
  • David Hockings, percusión.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

Iris is a very experimental work, where I do a deconstruction and a reconstruction of the music. The movement of the materials plays from a very dense texture to the silence, and then the sound appears with the same materials, from the silence to the dense texture. In order to get this density I use textures in the wind and percussion and a counterpoint in the strings, that creates this deep sensation. There is a short melody in this work that sound like a leit motiv. Iris is an ancient greek god. She is the messenger of Zeus and goddess of the Rainbow.

—Akelarre, for orchestra.

• Duración: 9’20”
• Plantilla: 3.2.3.2 – 4.3.3.1 – timp. 2 perc – 14.12.10.8.6
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 24-3-2006.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: CUSO (City University Symphonic Orchestra). Director: Anthony Weeden.
• LSO St. Luke´s, Londres.

Notas al programa:

In Spanish, ‘Akelarre’ is a witches’ meeting. Such meetings took place in the north of Spain in around the 15th century. Several legends mention these meetings, the witches being described as indulging in ‘white’, not ‘black’, magic. The legends don’t clarify what happens in these meetings, but we know from historical documents that these meetings were secretive affairs, as many witches were persecuted and some were burned at the stake.

In this score I try to describe the atmosphere of one akelarre (of white magic), using a series of differing textures always placed above one that is created from a sweeping, canonic line of semiquavers. This evokes a sense of ritual, with movement and tension: sometimes the participants in the akelarre stand around and talk, sometimes they dance in a ring around the fire, and sometimes they indulge in magic.

—Gradus ad Parnassum, for cello and accordion.

• Duración: 7’53”
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 31-5-2005.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Beate Altenburg (cello) and Milos Milivojevic (acordeón).
• City University. Londres.

Notas al programa:

Johann Joseph Fux’s Gradus ad Parnassum was published in 1725 as an early composition manual, divided in two major parts, Musica Speculativa and Musica Pratica, starting with simple examples and culminating in the most difficult technical issues of counterpoint. Similarly to this book, the duo starts with simple lines and gradually develops more complex textures and rhythmic patterns. The resonating timbre of the accordion and the expressive, nearly vocal, sound of the cello offer considerable potential for the creation of rich harmonic textures within a lyrical atmosphere. Written in a non-tonal language, the chords created from four intervals generate a space articulated by the accordion, which is the perfect base for the fast gestures of the cello.

—Alfa, para ensemble.

• Duración: 4’10”
• Plantilla: 1.1.0.0 – 0.0.0.0 – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 18-10-2004.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Ixion ensemble. Director: Andrew Toovey
  • Rowland Sutherland, flauta.
  • Andrew Smith, clarinete.
  • Kirsten Le Strange, violin.
  • Daniel Palmizio, viola.
  • Patrick Jones, cello.
  • Jub Davis, contrabajo.
  • Anthony Gray, piano.
• City University. Londres.

Notas al programa:

‘Alpha’, both as a symbol and term, is used to refer to or describe a variety of things, including the first or most significant occurrence of something. The first letter of the Greek alphabet is, as well, the first piece for my PhD portfolio, and a key work to understand what I expect to be an evolution in my compositional technique.

The Oxion ensemble asked me for a ‘short piece’ (about four minutes in length), and I chose the viola as the main instrument. However, the line up of this ensemble permits a full contrast between strings and winds, something that I use to create tension between melody and accompaniment, as heard during the fortissimo ostinati parts.

There is some influence from Roberto Gerhard (the composer I am researching) throughout the music. It affects textures and ostinati, while some characteristic gestures of the composer also appear. However the music is always presented from my personal point of view, its colouristic harmonies being responsible for its intense flavour.

—Musurgia Universalis, para cello y piano.

• Duración: 9’45”
• Fecha de composición:
• Fecha de estreno: 24-5-2004.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Beate Altenburg, cello y Annike Palm-Doumenge, piano.
• City University. Londres.

Notas al programa:

This score is inspired by the Musurgia Universalis of Athanasius Kircher (1601-1680), one of the most influential of all music treatises, which supports the view that the cosmos is revealed in musical ratios. A erudite man of incredibly wide-ranging interests, Kircher wrote more than 40 bookswhile he lived and worked in Rome. He was one of the central figures of Baroque scientific culture, and probably the greatest expert on ancient and universal languagess, archaeology, astronomy, magnetismo, and Chinese and Egyptian culture in Europe at that time.

—Suite Vollard, para ensemble.

• Duración: 9’26”
• Plantilla: 1.0.0.0 – 0.0.0.0 – perc- 1.0.0.1
• Fecha de composición: II/III-2004.
• Fecha de estreno: 5-5-2004.
• Grabación: City University
• Intérpretes: London Chamber Group. Director: Carlos Duque.
  • Anne-Marie Kotowick, flauta
  • Peiman Khosravi, violín.
  • Amy Shakespeare, contrabajo.
  • Billie Strachan, percusión
• City University. Londres.

Notas al programa:

Suite Vollard is inspired by a series of engravings, the Vollar Collection, created by Pablo Picasso between 1930 and 1936. In it, he depicts an enchanted World where the minotaur is the protagonist; this conceptual space of dreams and visions is sometimes serene, sometimes a nightmare.

—Primer libro de poética, para bajo y piano.

Texto: San Juan de la Cruz.

• Duración: 6’00”
• Fecha de composición: II/III-2004.
• Fecha de estreno: 5-5-2004.
• Grabación: City University.
• Intérpretes: Javier Borda (bajo) y Catherine Milledge (piano).
• City University. Londres.

Notas al programa:

Sin notas al programa, solo texto del poema y traducción al inglés por el autor.

—Avalón

• Duración: 6’00”
• Plantilla: 1.0.1.0 – 0.0.0.0 – perc – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición: III-2002.
• Fecha de estreno: 16-5-2002.
• Grabación: Sin grabación.
• Intérpretes: L´Ensemble Télémaque. Director: Raoul Lay.
  • Charlote Campana, flauta.
  • Linda Amrani, clarinete
  • Christian Bini, percusión
  • Nathalie Negro, piano
  • Yann Le Roux, violín
  • Benjamin Clasen, viola
  • Guillaume Rabier, cello
  • Jean Bernard Rière, Contrabajo
• Auditorio del Instituto Francés, Madrid.

Notas al programa:

Sin notas al programa, solo información del grupo, director y programa de Call for score del CDMC

—Treno, para saxofón barítono y electrónica.

Encargo de Andrés Gomis.

• Duración: 9’48”
• Fecha de composición: I/II-2000.
• Fecha de estreno: 25-6-2001.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• Intérpretes: Andrés Gomis, saxofón barítono y Carlos Duque, electrónica-difusión.
• VIII Jornadas de Informática y Electrónica Musical. Auditorio Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Notas al programa:

Obra para saxofón barítono y electrónica, grabada durante febrero y Marzo del 2000. Esta obra surge como un encargo del saxofonista Andrés Gomis. La parte de electrónica está basada en el desarrollo de la polifonía que consiguen los multifónicos, tamizada por procesos de síntesis donde solo la voz humana surge como sonido real. Está dedicada a las víctimas eternas, a los más débiles, a los indefensos de cualquier guerra, de cualquier época, de cualquier lugar. Niños, mujeres, ancianos que siguen una y otra vez pidiendo con voz callada. Andrés Gomis, Alicante, 1962. Estudia, profundiza y experimenta, para conseguir una nueva música, otros pensamientos.

—Crucifixión, para electrónica solo.

• Duración: 8’31”
• Fecha de composición: IV/V-1999.
• Fecha de estreno: 6-11-1999.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• Festival de Música Contemporánea COMA 99. Madrid.

Notas al programa:

Como resultado de la investigación entre música e imagen, y siguiendo la técnica de obras electroacústicas anteriores, alguna concebida directamente sobre la imagen (Estrobo). Homenaje a Antonio Saura, es un reflejo de la pintura saurista plasmada en sonido, matizando la densidad plástica y la riqueza cromática, dentro de una intencionada economía de materiales. Crucifixión, un cuadro de 1059, dotado de una impresionante fuerza expresiva, sirve de leit motiv a esta obra, que pasa por medio de un delicado trabajo de síntesis sonora, entre los claroscuros del lienzo

—Dánae, para ensemble.

Ganador Concurso Internacional de Composición Frederic Mompou 1999.

• Duración: 7’10”
• Plantilla: 1.0.0.0 – 0.0.0.0 – perc – piano – 1.1.1.0
• Fecha de composición: I-1999.
• Fecha de estreno: 15-9-99.
• Grabación: Radio Barcelona.
• Intérpretes: Crupo Virtus.
  • José Sotorres, flauta.
  • Joan Morera, violín.
  • Joan Ignasi Ferrer, viola.
  • Ester Vila, cello.
  • Ferran Amrmengol, percusión.
  • Carmen M. Osorio, piano.
• Sala María Vila d´Abadal. Mercat de la música viva, Xarxa de Clàssica i Jazz a Catalunya, Vic, Barcelona.

Notas al programa:

Solo CV y foto del autor, no hubo notas al programa.

—Un canto, para mezzo-soprano y guitarra.

Texto: Sobre poema homónimo de José Ángel Valente.

Encargo Dúo Música Desiderata.

• Duración:
• Fecha de composición: II-1999.
• Fecha de estreno: 9-6-99.
• Grabación: RNE
• Intérpretes: Elena Montaña, mezzo-soprano y Avelina Vidal, guitarra
• Círculo de Bellas Artes. Madrid.

Notas al programa:

Sin notas al programa.

—Cronos, para ensemble.

Ganador Concurso Jóvenes Compositores SGAE 1998.

• Duración: 6’43”
• Plantilla: 1.0.0.0 – 0.0.0.0 – sax – perc – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición: IX-1998.
• Fecha de estreno: 18-12-98.
• Grabación: CD Música contemporánea. XII Premio SGAE. Sello Iberautor, ref. 752.
• Intérpretes: Grupo Finale. Director: Vicent Egea.
  • José Sotorres, flauta.
  • Vicente Toldos, saxofón contralto.
  • Menchu Mendizábal, piano
  • Pascual Osa, percusión.
  • Víctor Ambroa, violín.
  • Julia Jiménez, viola.
  • Jorge Pozas, cello.
  • Antonio García, contrabajo.
• Auditorio Nacional de Música. Madrid.

Notas al programa:

Sin notas al programa por tratarse de un concurso.

—Canción para franquear la sombra, para soprano y piano.

Texto: Sobre poema de José Ángel Valente.

• Duración: 1’05”
• Fecha de composición: VIII-1998.
• Fecha de estreno: 4-10-1998.
• Grabación: RNE.
• Intérpretes: Pilar Jurado, soprano y Sebastián Mariné, piano.
• Círculo de Bellas Artes. Madrid. Presentación de la AMCC (Asociación madrileña de compositores).

Notas al programa:

Sin notas al programa

—Estrobo, electrónica y video.

• Duración: 10’05”
• Video: José Barrio.
• Fecha de composición: XI/XII-1997.
• Fecha de estreno: 29-6-1998.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• V Jornadas de Informática y Electrónica Musical. Auditorio Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Notas al programa:

Estrobo es una obra electroacústica compuesta y sincronizada sobre un vídeo del realizador José Barrio. El vídeo presenta una estructura ABA’B’ con coda. La música emplea el referente de la imagen como base no solo estructural, sino conceptual en el desarrollo de densidades y unidades cromáticas. La grabación y mezcla se realizaron en el laboratorio del CDMC en febrero de 1998. Cada plano tiene un tratamiento estético que refleja la realidad de la imagen. En el vídeo hay tres aspectos distintos: El cuerpo, la globalidad y la parte. La búsqueda sonora consiste en captar estos tres planos, lo que produce una profunda integración entre música e imagen. José Barrio es uno de los directores y realizadores más premiados en España. Realizó sus estudios en cine en la Universidad de Houston.

— Salónica, para electrónica solo.

• Duración: 6’46”
• Fecha de composición: III-1997
• Fecha de estreno: 26-09-1997
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• XIII Festival internacional de Alicante. Auditorio CAM. Alicante.

Notas al programa:

Salónica es un trabajo de índole progamática, en el que se reflejan sucesivas texturas sonoras, espaciales y tímbricas, producto de una espiral de imágenes mentales que se generan a partir de la evocación de imágenes previamente visualizadas. La obra está concebida como una evolución de la técnica desarrollada en Área, que se estrenó el 1 de Julio de 1996 en el Centro de Arte Reina Sofía. Ambas obras parten de un trabajo previo de síntesis al servicio de una representación espacial de la textura sonora. Plasmar la complejidad de una imagen en un referente sonoro es un proceso en el cual se solapan desde los fractales hasta la imitación del color, desde el cromatismo de las sombras hasta estructuras aurales, lo cual necesita de un intenso juego de densidades para conseguir la precisión en el matiz. Por tanto, dada la enorme definición que necesita esta técnica, la electrónica sola es el medio idóneo para recrear el mundo visual, en un nuevo espacio sonoro.

— Liuba. Para electrónica solo.

• Duración: 6’19”
• Fecha de composición: III-1996
• Fecha de estreno: IX-2005.
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• XXI Festival de Alicante.

Notas al programa:

Siguiendo la técnica de Área, Liuba presenta el mismo desarrollo técnico. En realidad es un técnica que se irá haciendo más precisa a medida que se suceden las obras. Se trata de plasmar en sonido de la forma más precisa posible, las imágenes sobre las que se basa la obra, pero sin que la imagen sea necesaria para la audición. En Liuba el sonido de un reloj se transforma hasta dar con la textura que ofrece la imagen.

—Área. Para electrónica solo.

• Duración: 6’12”
• Fecha de composición: XII-1995
• Fecha de estreno: 1-7-1996
• Grabación: CD Time 1995-2000, Cronos Digital Records, ref. 0609001, Madrid 2006.
• Jornadas de Informática y Electrónica Musical. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Notas al programa:

Esta es una obra donde el proceso narrativo se convierte en el protagonista, ya que presenta una sucesión de acontecimientos sonoros que han sido trabajados previamente por medio de síntesis, tanto en sampler como en sintetizador. A través de la narración que está planteada bajo una forma aural, se plasman distintos juegos texturales en relación directa con las densidades sonoras, que aportan cohesión a las distintas relaciones del discurso. Estas densidades, facilitan la obtención de planos sonoros de distinta profundidad, que permiten dibujar una serie de claro-oscuros en la obra, sin perder la seguridad estructural del sistema aural.

— Imágenes

• Duración: 7’15”
• Plantilla: 1.1.1.0 – 1.0.1.0 – perc – piano – 2.1.1.1
• Fecha de composición: I/IV-1996.
• Fecha de estreno: 9-6-96.
• Grabación: Sin grabación.
• Intérpretes: Grupo instrumental con profesores de la ONE. Director: Arturo Tamayo
  • Antonio Arias, flauta.
  • Rafael Tamarit, oboe.
  • Enrique Pérez Piquer, clarinete.
  • Juan Carlos Alandete, trompeta.
  • Enrique Ferrando, trombón.
  • Félix Castro Vázquez, percusión.
  • Gerardo López Laguna, piano.
  • Salvador Puig, violín.
  • José Enguidanos, violín.
  • Emilio Navidad, viola.
  • José María Mañero, cello
  • Miguel Ángel González Corredera, contrabajo.
• Auditorio Nacional de Música. Madrid.

Notas al programa:

El universo de una persona no deja de ser una sucesión de imágenes que ha ido adquiriendo a lo largo de su vida. Imágenes que van desde las primeras sensaciones táctiles, hasta las más profundas impresiones visuales. Cualquier persona dispone de una colección de imágenes, que forman parte de su memoria y sin las cuales perdería una parte fundamental de su identidad. Si pudiéramos plasmar de alguna manera todas esas imágenes, tendríamos una sucesión de impresiones que actuarían como una radiografía perfecta de cada persona, de forma que determinando la velocidad con las que has ha emitido, estudiando aquellas en que se ha detenido más, analizando las que dejó de lado, y las que aparecían deliberadamente distorsionadas, tenemos lo que puede ser la sinopsis de una vida. Un sutil ejercicio antropológico que, si plasmamos sobre un pentagrama, dará pulso propio al resultado sonoro que creemos.

Imágenes supone buscar allá donde se encuentra el recuerdo, son apenas unos minutos de intensa concentración, unas micras de coherencia, con la absoluta seguridad de haber buscado más allá.

— Noche, hoguera, silencio, para ensemble

• Duración: 7’30”
• Plantilla: 1.1.1.1 – 0.0.0.0 – perc – piano – 1.1.1.1
• Fecha de composición: I/IV-1995.
• Fecha de estreno: 21-5-95.
• Grabación: Sin grabación.
• Intérpretes: Grupo Círculo. Director: Arturo Tamayo
  • Salvador Espasa, flauta.
  • Carmen Guillem, oboe.
  • Salvador Vidal, clarinete.
  • Dominique Deguines, fagot.
  • Pedro Estevan, percusión.
  • Adela González Campa, piano.
  • Rubén Fernández, violín.
  • María Teresa Gómez, viola.
  • Ángel González Quiñones, cello.
  • Fernando Anguita, contrabajo.
• Círculo de Bellas Artes. Madrid.

Notas al programa:

Buscar el sonido de la materia que nos rodea puede ser fácil, pero no nos engañemos… casi nadie se ha parado a escuchar la noche o las llamas que parten de la hoguera, ni tan siquiera el sonido del silencio. Escuchar lo que tenemos a nuestro lado es algo tan banal, que por cotidiano se pierde en mil pedazos para no poderlo disfrutar jamás. Después de todo, el silencio no existe. Hacerlo supone un instante de concentración, una micra de paciencia que normalmente nuestro ritmo no es generoso de dar. Si los conseguimos, turbados las más de las veces, trataremos nerviosos de volver a nuestro estado normal, a la prisa, a lo tosco de lo cotidiano. No es fácil dar un paso más. Tratar de buscar más allá de los límites produce miedo a no encontrar nada y miedo a no poder volver. Demasiado para un hombre solo. Noche, hoguera, silencio, supone buscar más allá, son apenas unos minutos de concentración, un átomo de coherencia, con la absoluta seguridad de haber buscado más allá. Quizás para no volver…

— A Federico García Lorca, poeta de Granada, para coro mixto.

• Duración: 7’30”
• Texto: Poema homónimo de Rafael Alberti.
• Fecha de composición: XI-1994
• Fecha de estreno: 24-2-95
• Grabación: Sin grabación.
• Intérprete: Coral Juan del Encina. Director Iñigo Guibert.
• Sala Pradillo. Madrid. Serie Creamúsica.

Notas al programa:

Sin notas al programa.